“ORIGINS”- Popelier

会期 Wed 7th July - Tue 27th July 2021
Closed: Suns 11th, 18th & 25th, Weds 14th & 21st
2021年7月7日(水) - 7日27日(火)
休廊日: 11日(日), 14日(水), 18日(日), 21日(水), 25日(日)
時間 12:00-19:00

First exhibition at galerie popelier
ギャラリーポペリエの初展覧会

原点 (オリジンズ)
私の絵画の原点は90年代後半に始まり、初めての作品はオーストラリアのシドニーにあった、小さなアパートの殺風景な壁を単純に明るくするための装飾的な作品でした。正直に言うと、なぜ五芒星をモチーフにしたのかはよくわかりません。当時の私は汎用性が高くダイナミックで象徴的、わかりやすい形のモチーフを探していたのですが、後になって調べてみると、この星は古代エジプトのソプデットという女神に由来していることがわかりました。ソプデットは夜空で最も明るい星であるシリウスを象徴しており、頭上に五芒星を掲げた姿で描かれることもあります。またソプデットの頭上には細い三角形が描かれていることもあります。この三角形の角度は18度で、私が使っている星の角度(18の倍数)はすべてこの測定値に基づいています。ちなみに彼女が「鋭い人」とも呼ばれるのはこのためです。これらの歴史的、数学的、天文学的要素は私に強い印象を与え、このモチーフとその多様性とにさらに興味を持ちました。この五芒星のモチーフは人類の歴史の中で非常によく知られており、まさに世界的なアイコンであり様々な方法で使われてきましたが、最近では当たり前のようになっているため由来を知る人はほとんどいません。
私が最初に描いた作品は基本的にはハードエッジなミニマルカラーの平面ブロックで、わずかなブラシストロークが見える程度のものでしたが、しばらくするとそれに満足ができなくなりました。こだわりが強すぎて 堅苦しい印象もありましたので、星のモチーフはそのままに、ハードなエッジとは対照的に、もっと表現力のあるランダムで偶然性のある要素を加えたいと思いました。
まず新聞紙の切れ端をキャンバスに貼り付けて繊細なテクスチャーを作る実験をしてみたところ、絵の具を塗ったときに新聞紙の切れ端に筆が引っかかって絵の具が溜まったり、絵の具がゆるやかに飛び散ったりするという嬉しいアクシデントがあったりしました。これが私の求めていた不完全さであり、マスキングテープによる細部へのこだわりや硬いエッジとは対照的な、汚れたような未完成な印象ができました。それ以来、同じ絵の中で対照的なテクニックを使い、バランスを見つけることに興味を持っています。自分の作品にスクリーンプリントのような雰囲気を求めていたので、スクリーンプリントの技術を使えば沢山のマスキングテープを節約でき簡単で早かったのですが、一方で何時間もかけて新聞紙の切れ端を切り貼りしたり星をマスキングしたりすることで、とてもリラックスできたのです。その結果、準備期間の方が実際の制作期間よりもはるかに長くて手間がかかるが、より癒されることも多いという、もう1つの興味深い矛盾が起こりました。そして色の組み合わせについては、考えて選んだというよりは直感的に選んだものです。
とは言え、じっとしているのは良いことではないので、常に新しい方法を模索しています。子供の頃に戻ったかのように身の回りにあるものを何でも使って制作することは、私が常に守ってきた原則のひとつです。今ではステッカー、金箔や銀箔、フォームボードなど長年にわたって集めたもの、頂いたもの、拾ったもの、色々な素材を使った実験も行っていて、絵をより立体的に、より触感のあるものにしています。また新聞紙を再利用することに加え、ダンボールや古い掛軸、木の切れ端、不要なキャンバスなどリサイクル素材を増やすことにしています。
このようなリサイクルの発想から、自分の絵を撮影してデジタル合成することにもなりました。撮影した画像は自分で撮影したものや、インターネットで見つけたテクスチャーのある写真と一緒にPhotoshopで合成しています。こうやって星をモチーフにした作品を、また違う形式で制作をしています。ソプデットの星は使い方やバリエーションが無限にあるようで、そのおかげで作品も無限にできるように思います。
昨年、作品でメッセージをどう伝えたらいいかを色々考えました。自分の思想を解り易く主張せず観る人に考えることをさせ、主に装飾的に私の作品をより深めようと思いました。この新しい方向性で制作した作品は、今年9月に大阪のイグエムアートギャラリーで個展を開催する予定です。
2015年に日本へ帰国して以来、異文化を越える共通の視覚言語を探求し続けるべきだという確信ができ、世界の全く異なる3地域に住んでいた経験と、それぞれの土地で見てきたデザイン、色と光の使い方を活かして自分の作品の普遍性を発展させ、誰もが評価し共感できる、視覚的なスタイルを作り上げることを続けようと思っています。
全てが終わったときに私について、「ただの星を描いた男」として記憶されたくありません。私は絵画で全ての人達にアピールできる視覚的言語やメッセージを表現している、真の国際的アーティストになりたいと思っています。
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“ORIGINS”
The origins of my paintings began in the late 90s, with the first one being a purely decorative piece to brighten up a drab wall in a small apartment in Sydney, Australia. To be honest, I am not sure why I chose a five-pointed star as my central motif. At the time, I was looking for a versatile, dynamic, iconic, and easily recognisable shape and it was not until much later during some research, I found that this star can be traced back to Ancient Egypt and the goddess Sopdet, who represents Sirius, the brightest star in our night sky, and is sometimes depicted with a five-pointed the star above her head. Sopdet is also sometimes depicted with a narrow triangle above her head. This triangle has an angle of 18 deg., and this measurement is the basis of all the angles, all multiples of 18, of the star that I use. Incidentally, this is why she is also known as The Sharp One. These historical, mathematical, and astronomical elements made strong impressions on me and created a stronger connection with this symbol and its versatility. It is so prevalent throughout human history, that it truly is a global icon that has been used so many ways, but it is so taken for granted these days, that very few people are aware of its origins.
The first paintings I did were basically flat blocks of hard-edged minimalist colour with a few visible brush strokes, but which after a while became unsatisfying. They also looked pedantic and stiff. While keeping with the star motif, but to contrast against the hard edges, I wanted to add more expressive, random, and accidental elements.
Starting with experimenting in creating subtle textures with pieces of cut newspaper pasted on to the canvas, I found there were happy accidents when paint was applied as the brush caught the edges of the newspaper pieces causing paint to collect or to gently skip the surface. This was the imperfection I was looking for, resulting in a grungy, unfinished look that contrasted with the attention to detail and hard edges caused by using masking tape. Since then, this contradiction in techniques in the same painting and finding a good balance between them has fascinated me. In some ways, I was looking for something like a screen-printed feel to the work and it would have been much easier and much quicker to use screen print techniques and saved lots of masking tape, but on the other hand, spending hours cutting up and pasting bits of newspaper and masking out stars can be quite relaxing. Another interesting contradiction that has resulted from this, is that preparation time is far longer and more involved than actual production time, and often more therapeutic. Colour combinations were also chosen more on instinct than by thought.
It is never good to sit or stand still, however, and I am always looking for new ways to develop. Using whatever is available around me to create, has been one principle I have always tried to adhere to, probably a throwback to childhood, and I have now added experimentation with other materials that I have collected, been given, or picked up over the years, including found objects, stickers, gold and silver leaf, and creating relief stars with levels of foamboard, making the paintings more 3D and more tactile. Also, as well as continuing to use newspaper, I am trying to increase the number of recycled materials that I use, for example, card, old kakejiku (a traditional hanging scroll), scraps of wood and unwanted canvasses .
It is this idea of recycling that has led me to take photos of my own paintings and use these images in digital compositions, expanding yet further creations with the star motif. These images are placed in Photoshop along with photos of textures that I use, either taken by myself or found on the internet.
Sopdet’s star has seemingly endless unique uses and variations that I can create with.
Last year, I considered ways to sometimes relay a subtle message or messages in my work. I do not want to dictate, preferring to provoke thought, and bring more depth to my mostly decorative paintings. Artworks created with this new direction, will be shown in a solo show at igu-m-art in Osaka in September this year.
Since returning to Japan in 2015, I have been encouraged by the important confirmation that I should follow the direction of my search for a mutual cultural visual language and continue to develop a universalism in my painting and create a visual style that everyone can appreciate and relate to using my experiences from living in three quite different world regions and their influences in design, colour, and light.
When this is all over I do not want to be remembered as the guy who just did stars. I want my paintings to express a visual language or message that appeals to all. I would like to be a truly international artist.

Popelier Osaka 2021

SHINSAIBASHI GALLERY BUILD

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